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Designboom entrevista a Pedro Reyes en su casa y estudio en méxico

El artista Pedro Reyes y la diseñadora de moda Carla Fernández, la pareja creativa interdisciplinaria de México, se centran en diferentes prácticas, pero expresan temas y preocupaciones similares en su trabajo. La pareja a menudo aborda temas como los valores sociales en las comunidades, las culturas indígenas mexicanas y la interacción humana en la era digital. Reyes y Fernández también suelen trabajar juntos en proyectos, incluida la producción reciente de una identidad gráfica para el diseño Miami / 2018, como parte de ganar el codiciado premio visionario de la feria.

Su hogar en la ciudad capital es un proyecto arquitectónico e interior en constante evolución, producto de los aportes, influencias e ideas de ambos artistas. envuelta en estantes que acomodan una gran biblioteca de volúmenes y tomos, y puntuada por las creaciones de la pareja, la vivienda es una expresión construida de los ideales estéticos de Reyes y Fernández. mientras que en México, designboom se reunió con Pedro Reyes en la casa, que también alberga su estudio de arte, para hablar sobre sus últimos proyectos, su enfoque de las comisiones de arte público y su continuación de la tradición de la artesanía.

designboom (DB): ¿cuáles son sus grandes proyectos futuros? ¿En que estas trabajando actualmente?

Pedro Reyes (PR): Estoy haciendo una escultura, diferentes comisiones para público y privado en este contexto. Uno de ellos es una escultura y una comisión pública para la ciudad de San Antonio, Texas, que marcará el 300 aniversario de la ciudad. Es interesante, porque la ciudad es más antigua que los Estados Unidos y más antigua que la formación del estado de México. En aquel entonces, ese territorio era Nueva España, pero la ciudad está celebrando su fundación. Me pidieron que trabajara en esta comisión de arte público, lo cual fue interesante para mí, porque pude llevar el lenguaje de la talla de piedra al arte contemporáneo.

En México, estamos sentados en una tradición de escultura que data de 5,000 años. Hay muchos artesanos que mantienen vivas las habilidades tradicionales de la talla de piedra, pero aún así se perdieron muchas de ellas. Tener los cimientos de una gran herencia y estas habilidades de vida fue algo que me atrajo a continuar esta práctica de la escultura, porque vengo de una práctica de arte conceptual que comenzó hace unos 30 años. Luego hice muchos proyectos sociales, teatro y muchas prácticas diversas, pero ahora estoy haciendo algo que estará en un espacio público, y está destinado a mantenerse en muy buenas condiciones en el futuro, así que la piedra es el mejor material que puedes usar.

DB: La idea del monumento: una vez que fue muy celebrado, alguien que estaba en el poder quería mostrar a los demás que era superior. ¿Cuál dirías que es el sentido de un monumento contemporáneo hoy?

PR: Creo que los monumentos han sido muy criticados por el arte contemporáneo. Es algo sobre lo que también hay sentimientos encontrados, porque aunque ha sido objeto de críticas, también es algo que continúa sobreviviendo. Por ejemplo, en este caso en particular, considerando que el trabajo que me pidieron que hiciera era marcar el tipo de formación de una celebración de 300 años, de lo que quería hablar es de que este territorio estuvo habitado hace 9,000 años. Pobladores originales del continente. La escultura que estoy haciendo no se trata tanto de la base firme de la ciudad, sino de recordarle a la gente que los estados nacionales, las divisiones que tenemos entre Estados Unidos y México, son relativamente recientes en el alcance del tiempo. Además, los grupos de nativos americanos que se establecieron antes de este estado nación estaban allí hace 9,000 años.

Creo que el monumento es un lugar donde aún se puede hacer una declaración política. En ese momento, cuando los monumentos estaban asociados con el nacionalismo, y el nacionalismo siempre ha marcado divisiones entre la gente, estaba interesado en referirme a otra historia que trascendería estos estados nacionales. Estoy usando un lenguaje que también fue utilizado por el nacionalismo, pero infundiéndole un contenido diferente, que es más sobre un pasado que nos dará más perspectiva sobre esto. Creo que el lenguaje de la escultura, porque es monumental, le da a esta escultura urbana esa calidad. Es algo de lo que puedes usar el idioma, pero puedes tener un contenido diferente que no sea el contenido oficial.

DB: ¿entonces intenta entregar un tipo de significado adicional? Al igual que en la historia del arte, todo gran pintor respondió de alguna manera al informe de otra persona, pero también inyectó información, opinión y, en cierto modo, su propio punto de vista …

PR: exactamente.

DB: Generalmente trabaja para galerías o clientes privados, pero cuando obtiene una comisión del público, de los contribuyentes, ¿su enfoque es ligeramente diferente?

PR: Bueno, sí, pero creo que no cambia tanto. Creo que ambos entornos permiten la crítica social y política. No creo que trabajar en un contexto comercial o público haya limitado mi capacidad de decir lo que quiero decir. Creo que es muy importante tener en cuenta las implicaciones sociales de un proyecto. Siempre he encontrado una manera de transmitir un mensaje.

DB: Con respecto al lenguaje de formularios: si tiene un cliente que ya puede comprender el arte contemporáneo, la historia del arte, puede dar ciertas cosas por sentado. pero, cuando hablas con una gran población, no se garantiza que todos sepan de dónde viene el arte, ni a dónde va. ¿Crees que es más difícil crear un formulario que hable a muchos, en lugar de los formularios creados para galerías o clientes privados? ¿Crees que tienes que ser más simple? ¿mas directo?

PR: Creo que los artistas no rompen las reglas, en realidad agregan más reglas. Una de las reglas que he agregado a mi propia práctica es que quiero que mi trabajo sea entendido o que hable con cualquier tipo de audiencia, independientemente de su alfabetización artística. No es que piense que todo el arte debería ser así. Realmente disfruto el trabajo que es muy oscuro y muy conceptual. Sin embargo, por el trabajo que hago, me he impuesto ese tipo de condición para que todos lo entiendan. Por ejemplo, trabajo mucho con el tema del desarme. He convertido armas en palas para plantar árboles o armas destruidas para hacer instrumentos musicales. Ahora estoy preparando un espectáculo para el museo Tinguely en Basilea, que se basa en cajas de música. Cuando trabajaba con armas, noté que había una especie de asociación de armas con violencia en México. Creo que fue importante para mí demostrar que las armas a menudo se fabrican en ciertos lugares y que las industrias que producen armas son responsables de todo el sufrimiento y la muerte que están causando en todo el mundo.

Quería dar una especie de especificidad al lugar donde se fabrican sus armas. Lo que estoy haciendo es tomar parte de un glock, que es un fabricante austríaco, y hacer música, pero solo con glock. Entonces la melodía es Mozart o puedo hacer una con Beretta, así que piense que sería Vivaldi, o haré algo con una alemana y será Bach. Es como tomar ambas partes de un país, pero hacer música de compositores de diferentes países. Es un proceso que también critica a la industria, porque a menudo el escrutinio o la crítica de las armas conduce al usuario, pero no al fabricante del arma. Creo que es importante protestar contra la industria, porque ahí es donde está el problema.

DB: ¿Cuándo tendrá lugar la exposición?

PR: Será en abril de 2020 en Basilea. Es un desarrollo del proyecto «desarmar», que es este proyecto de escultura de hacer piezas con armas. Entonces, eso es lo que viene después.

DB: Su esposa, Carla Fernández, es diseñadora de moda, y el trabajo de carla es muy diferente al de otros diseñadores de moda. ¿Cuánto de su trabajo está influenciado por ti?

PR: Compartimos muchos intereses comunes. Creo que los dos estábamos muy interesados en continuar la tradición de la artesanía en México y también en distanciarnos de la tecnología. En el estudio aquí, no uso ningún CNC ni ninguna impresión 3D. Intentamos hacer mucho de nuestro proceso de dibujo a mano, porque el uso de una herramienta digital condiciona el resultado de una manera que hace que gran parte de la producción se vea igual.

DB: Bueno, dijiste que tienes una conexión del cerebro a la mano, así que cuando la mano está escribiendo en una computadora, algo podría cambiar …

PR: Si! ya sabes tengo este chiste de que dibujar en una computadora es como cocinar con un microondas. Todo está dentro de una caja. Luego, el hecho de tener todos estos procesos en el estudio que son muy clásicos, como yeso, tallado en piedra y soldadura. Esta es la forma en que obviamente el diseño moderno y el arte moderno canalizaban mucho arte artesanal y primitivo. Muchos de los avances de la modernidad estaban viendo estas expresiones. Ahí es donde el lenguaje del arte se renovó del aburrido clasicismo del siglo XIX.

DB: Eso es algo que también compartes con Carla, porque ella también está mirando artesanías tradicionales, como telas …

PR: Sí, es una fuente inagotable de inspiración. También tiene una dimensión social, porque para un robot que se introduce en un proceso, seis personas pierden su trabajo. En lugar de tener un robot haciendo la talla, preferiría tener seis personas que me ayudaron.

DB: Bueno, existe la idea de que seis personas tendrán vacaciones todo el tiempo, tiempo libre. ¿Cuál es su opinión al respecto? que los robots son buenos para nosotros porque nos devolveremos mucho tiempo libre?

PR: Pero eso es mentira, ¿sabes? eso era una fantasía de los años cuarenta: que los robots emanciparían al hombre del trabajo. Lo que sucedió en realidad es que al quitar esos trabajos, estás creando un gran problema en la sociedad, porque la automatización solo está creando desempleo. No se trata de aumentar sus ganancias, se trata de involucrar a otros miembros de la sociedad en el proceso creativo. Obviamente, ya sabes, los procesos manuales conducirán a resultados más únicos y especiales.

DB: y satisfacción.

PR: si.

Desde: designboom.com